Tokyo incident

我一直認為加入鋼琴或者是Keyboard的元素，可以幫整個樂團的演出做出很大的修飾，讓搖滾樂團的風格不僅是強烈爆發力的演出。

即使不是每首曲子都有使用Keyboard，但是他們把Keyboard手正式納入樂團編制當中，這是我喜歡東京事變這個團體的原因之一，雖然到目前為止我只聽過他們一張專輯和一張Single。他們「大人」這張專輯當中使用了很多的爵士元素，把爵士元素擺在搖滾當中，呈現不協調的美感，這是非常吸引我的地方。

椎名林檎在發行「石膏」這首單曲的時候，一開始用鋼琴為底的搖滾方式，就給我很深的印象。但是真正開始聽他及東京事變的東西是在聽過「大奧華之亂」這個日劇的片尾曲「修羅場」。這首歌在Single和專輯有兩個不同的版本，在「大人」專輯當中編曲採用的是爵士的風格，但是我個人比較喜歡Single當中擁有許多吉他solo的版本。

不僅是樂團的風格多變，在歌詞、歌名上，東京事變也凸顯出與當代日本歌曲的與眾不同。椎名林檎寫詞的風格使用了大量的比喻，在很多地方強調對稱的巧思，專輯當中曲子和曲子之間都有互相對應的關係。「加爾基、精液、栗子花」*這種堪稱驚世駭俗的名稱在日本大概也只有林檎敢用在專輯當中。另外在歌詞裡面使用許多和現代假名使用方式不同的，所謂的「歴史的仮名遣」。這讓東京事變其實在曲風以及歌詞、歌名上都有很強的文藝氣息。

最後擺上東京事變的「恋は幻」，翻唱自Ned Doheny的Get it up for love，翻唱者使用了原來的歌詞，採用完全不同的編曲，建議可以兩者都聽，比較一下之間巨大的差異，這是一首很有趣的MTV：



*這張專輯是椎名林檎個人演唱時代的作品，然而我認為東京事變是林檎另外一個形式的歌唱生涯延續，所以兩者演出應該是可以連在一起看的。

Diamonds Are Forever

沒事先來聊聊Kanye West好了，他最新的一張"808's and Heartbreaks"走的風格我個人實在不太喜歡。如果不是那首Amazing被NBA拿來當上一季季後賽的theme song，這張專輯大概聽過一次以後就會永遠被塵封在我的iPod裡面。

所以，我特別懷念他前兩張College Dropout跟Late Registration專輯。這兩張專輯裡面有幾首歌不僅編曲相當巧妙，歌詞也別有深意。Jesus Walk、Never Let Me Down探討的種族、人性題材都非常深入。

這首"Diamonds from Sierra Leone"也是一個好例子。

光看歌名就知道這首歌要講的是來自西非的衝突鑽石，也就是之前電影演過的「血鑽石」。sample來自於1971年的007電影主題曲由Shirley Bassey演唱的"Diamonds Are Forever"。West一直都持續在關注西非血鑽石的消息，當地軍閥政府為了一己利益，剝削人民勞力開採鑽石，甚至虐待童工，以換取政權利益。因此West又重新remix這首歌，重寫歌詞，找來Jay-Z合唱。並且兩個版本都收在第二張Late Registration專輯裡面。

看看歌詞：

Good Morning, this ain't Vietnam still
People lose hands, legs, arms for real
Little was known of Sierra Leone
And how it connect to the diamonds we own
When I speak of Diamonds in this song
I ain't talkin bout the ones that be glown
I'm talkin bout Rocafella, my home, my chain
These ain't conflict diamonds,is they Jacob?
don't lie to me mayne
See, a part of me sayin' keep shinin',
How? when I know of the blood diamonds
Though it's thousands of miles away
Sierra Leone connect to what we go through today
Over here, its a drug trade, we die from drugs
Over there, they die from what we buy from drugs
The diamonds, the chains, the bracelets, the charmses
I thought my Jesus Piece was so harmless
'til I seen a picture of a shorty armless
And here's the conflict
It's in a black person's soul to rock that gold
Spend ya whole life tryna get that ice
On a polar rugby it look so nice
How could somethin' so wrong make me feel so right, right?
'fore I beat myself up like Ike
You could still throw ya Rocafella diamond tonight

歌詞當中他代表在當地受難的非裔同胞向世人抗議，懇求富有的人們放棄手上的閃亮鑽石，即使鑽石恆久遠，但是苦難絕不能永久流傳。

MTV的部份可由此點入觀看。

李香蘭

現實歷史上，李香蘭不論在中日兩國都堪稱傳奇歌姬，當時和白虹、姚莉、白光、周璇並稱五大歌后。但由於他的身份特殊，因此在文藝界當中，後來關於他的創作主題也非常多，標題「李香蘭」這首歌，日本由玉置浩二演唱，後來張學友翻唱，同樣歌如其人，在日語及華語音樂圈中都成為經典。

在幾個blog當中，都把玉置浩二的原曲跟張學友拿來做比較。在這篇當中給予粵語歌詞的評價是「歷史人物型的閨怨，無甚新意」。但事實上我卻認為這種「似曾相識」式的思古幽情，在華語歌詞當中是非常少見的。另外說張學友演譯這首歌在歌聲上完全不能與玉置浩二相比，我也感到非常好奇。這首歌的初版收錄在張學友1990年「夢中的你」專輯，後來在2000年重新編曲重唱的「Jacky Cheung15 十五年音樂精選」亦有收錄。若就歌聲而言，90年跟目前爐火純青的功力相差甚遠，不知文章作者給的是哪個時期作品的評價。2000年後的版本，私以為並不在當年玉置浩二的原版之下。

另外，對於歌詞意境的闡述，當時的創作背景也是相當重要的一個參考之處。先分別看看兩首歌的歌詞，在此先感謝網友haremoon的中文版翻譯：


行かないで/玉置浩二

なにもみえないなにも 什麼都看不見，什麼都看不見
ずっと泣いてた 只是一直哭泣著
だけと悲しいんじゃない 然而也並非悲傷
あたたかいあなたに 只要觸及溫暖的你
ふれたのが うれしくて 就感到快樂
行かないで 行かないで 啊，不要走，不要走
いつまでも ずっと はなさないで 永遠，永遠都別離開我
行かないで 行かないで 啊，不要走，不要走
このままで 就保持這樣吧

いつか心はいつか 曾幾何時，我的心
遠いどこかで 到了遙遠的某處
みんな想い出になると 當一切全都成了回憶
知らなくていいのに 還不如別知道的好
知らなくていいのに 還不如別知道的好

*行かないで 行かないで 啊，不要走，不要走
どんなときでもはなさないで 無論何時都別離開我
行かないで 行かないで 啊，不要走，不要走
このままで 就保持這樣吧


當時玉置浩二的「行かないで」是為了91年中日合拍的電視劇「別了，李香蘭！」量身打造的主題曲。玉置浩二的詞，不僅符合電視劇的主題，同時也向現實生活當中的李香蘭，致上深沈的懷念之情。

再來看看張學友的粵語版本：

李香蘭

作曲: 玉置浩二 作詞: 周禮茂 編曲: 杜自持

惱春風　我心因何惱春風 說不出　借酒相送
夜雨凍　雨點投射到照片中 回頭似是夢　沒法彈動
迷住凝望你　褪色照片中

*啊　像花雖未紅　如冰雖不凍 卻像有無數說話　可惜我聽不懂
啊　是杯酒漸濃　或我心真空 何以感震動

照片中　那可以投照片中 盼找到　時間裂縫
夜放縱　告知我難尋你芳蹤 回頭也是夢　仍似被動
逃避凝望你　卻深印腦中

作詞者試圖要表現出不同時空當中的兩人藉由照片所傳遞並交織的情感，相當類似70年代末經典名劇Somewhere In Time似曾相識，Christopher Reeve初次看到女主角Jane Seymour照片時的那種熟悉感。從現實來看，當時算是後起之星的張學友，對於一代歌姬李香蘭跨越時空的相惜之情，在歌詞的襯托下，也頗為貼切。

在張學友的眾多演唱會當中，這首歌在「學與友93世界巡迴演唱會」、「友學友95世界巡迴演唱會」以及2003年「張學友音樂之旅」都被演唱過。推薦2003年的版本。

最後放上這首歌的各個版本：



玉置浩二的一代經典，細緻的歌聲配上離愁感的歌詞，被認為是最淒美的一首離別歌。



粵語的錄音版本一時向隅，放上張學友的國語錄音版本。在歌曲的演譯當中有模仿玉置浩二的痕跡，反而讓歌聲聽起來感覺變得較扁、較輕。



這個版本不知是93年還是95年的演唱會版本，配合聲勢較強的管弦樂隊，張學友展現出直來直往的演唱爆發力，跟原本歌曲的細膩淒美曲風有些差異。另外也加入了一些轉音的技巧，節奏上比較急促。



2003年的版本，也是我認為最好的一個版本。全曲旋律以小提琴跟鋼琴作為主軸，沒有過多的樂器組合，節奏放慢，張學友高低起伏的抑揚頓挫表現得更加明顯。這個版本我認為並不在玉置浩二的原版之下。

另外還有與呂方合唱的版本，這個部份我就不放上來了。

Allegro Opus 3.3am

陳奕迅新專輯"H3M"當中，這首是我認為最特別的一首小品。

先來看看歌名，"Allegro"來自義大利文，用來表示音樂的節奏，意思是「快板、急速」。Opus則是拉丁文，意指音樂作品的編號，以往音樂家或出版商常常以此編號表示作品完成的時間順序。有時候也常用"op."的縮寫來代表。因此在這裡Opus 3就代表了作品第三號，然後在半夜三點完成。博客來的專輯介紹當中把Opus 3跟3am合在一起，說這是3.3版，在第三版完稿，就一般用法來看並不是一個正確的表現方式。在古典樂當中Opus代表的意義是生涯的第幾號作品，不會把草稿部份的版本併入計算。根據原曲再改編成其他形式的時候，通常加的部份是英文字母。例如說，貝多芬改編自op.61小提琴協奏曲的鋼琴協奏曲，取名就叫做Opus 61a。

不過這首歌本來就不是古典樂曲，所以歌名的寫法倒也不用深究。由歌名就大概可以推測這首歌曲走的是輕快的節奏。另外填詞部份除了用詼諧的態度表現出流行音樂作詞人在創作時是如何絞盡腦汁要做出一首不落俗套，又讓大家朗朗上口的歌。也提到香港許多著名的填詞人，向他們表示敬意，非常有趣。

歌詞如下：

得番三個字
十五分鐘了事
但我點止差三個字
未到副歌點去終止
詞極到位但原音不似

寫得出意義
但太深沒人知
唔願意太跟阿Y相似
又會諗夕爺 又怕抄大師
太崇拜林振強好點子

其實要寫 什麼都要試
唔知點 開始

離別太悲 難提及社會諷刺
生與死 老土得欠機智
若對比 經典的每份詞
旋律好聽到死 我太幼稚

得番一個字
鄭國江點樣嘔出往事
黃霑點趕起 噚晚醉到黐
盧國沾太堅 林敏聰發癲
想法太美 由修養帶起
詞種太雋永 詞風太細膩 前瞻

「You're my baby, oh baby」重睇番呢份詞
「離棄我背棄我」無乜更多字兒
「家國愛我」填得太過政治
「求你別吻我」咁行
「下世才吻我」 Yeah Yeah Yeah Yeah
「如抱便抱吧 如放棄便放吧 愛吧 說吧」No No No No
如我要寫一句交俾你K房裡狂吼 How~

詞逐去找 亂咁跑 條 Hook Line 終於撇脫
如聽開首 Pop Song 一針見血
仲押埋韻 逐個字 串做故事
終於寫好我隻 Sad~Sad~My Sad Song~

紅字的部份就是歌曲中提到的著名填詞人，我以註解的方式稍微介紹他們。

阿Y：指黃偉文。他與林夕並稱香港詞壇的「兩個偉文」（林夕本名梁偉文），在香港也是一位多才多藝的才子。除了填詞人以外，另外他同時也兼具電台DJ、演員、專欄作家等多種身份。也有人將他與林夕和林振強三人合稱香港詞壇的「二林一黃」。他寫詞的比喻方式新穎，內容廣泛，陳奕迅許多膾炙人口的歌曲像是「浮誇」、「葡萄成熟時」都出自於他的手筆。

夕爺：指林夕，林夕目前在國語詞壇的成就應該不用我再多介紹了。

林振強：香港著名的填詞人，除了填詞人的身份以外，另外也是作家、漫畫家、廣告工作者，非常多才多藝。他的姊姊是著名女作家林燕妮。林家的四姐弟，目前除了林燕妮還在世之外，其餘皆因淋巴癌而往生。林振強本人在03年也因淋巴癌病逝。生涯留下1000多首填詞作品，張學友過往作品，包含之前所介紹的「真情流露」，有很多是出於他的詞。

鄭國江：香港70、80年代非常著名的填詞人，產量豐富，在70、80年代與黃霑、盧國沾兩人齊名。而不同的是，他的身份是業餘填詞者，他的主要工作乃是教職。除了流行曲之外，他也有許多兒童作品的創作。例如為兒歌填詞，為兒童動畫如「多啦A夢」等創作主題曲。

黃霑：「霑叔」的名聲稍對華語娛樂圈有些認識的人應該都知道。但其實他對於華語文化的貢獻遠比他的名聲要來得更深遠。他不僅在歌曲的及電影的表演及創作有傑出的表現，他在文學也有非常高的成就，對於粵語流行音樂史的發展也有獨到的見解。他曾跟林燕妮交往，並且成婚，請金庸做見證，但是這段成婚的過程並未公開，兩人後來分手後也均未承認他們的婚姻關係。

盧國沾：他也是香港70、80年代非常著名的填詞人，當時香港電視劇正興起一股武俠片熱潮，金庸、古龍等大師的作品紛紛搬上螢幕。這其中許多武俠片主題曲均由他填詞。他對於80年代香港興起的「無情不為詞」風氣非常不滿，也提倡了一個「非情歌運動」試圖改變當時的填詞風氣。

林敏驄：香港才子填詞人，被譽為無厘頭始祖，上面歌詞當中的「林敏驄發癲」便是形容他無厘頭的特色，除了作詞之外，搞笑表演也頗具風格。他的姊姊林倩而也是著名的作曲家及唱片監製。林敏驄也是08年京奧的指定填詞人。

最後放上這首歌的MV：

Jacky Cheung - 真情流露

「真情流露」這張專輯對於張學友的生涯而言是相當具有意義的一張專輯。當年張學友靠著這張專輯在香港樂壇囊括了眾多獎項。而「歌神」的封號也是在這張專輯大賣之後，由第一代的許冠傑加冕到了他的頭上，開啟了他歌唱事業的高峰。

而這首同名歌曲，也相當的有意思。這首歌是翻唱自桑田佳佑的"旅姿六人众"，80年代末到90年代中許多歌手都透過翻唱玉置浩二與桑田佳佑的作品獲得很大的成功，後來范逸臣也重新把它翻唱成國語版。只是個人認為這首歌張學友演譯得最動人的地方，還是在於結尾段「LA LA LA」的即興部份，這個部份也剛好能夠看出張學友歌唱功力的演變。網路上剛好有幾個時期的演唱會版本，可以依生涯來作區分，以下一一說明：



由這身打扮來看，這應該是93年「學與友93世界巡迴演唱會」的表演，這也是這首歌第一次在演唱會中演出。偶像的氛圍在他身上清晰可見，最後「LA LA LA」的部份和歌迷的互動成本較大，並沒有太高難度技巧的演譯。大概也因為這個緣故，「真情流露」這首歌在演唱會的曲目當中都擺在後段，不是閉幕曲，就是位置接近閉幕曲。以CD順序而言，都是擺在第二張CD的後段。



這是在99年「友個人99世界巡迴演唱會」的演出，曲目是倒數第三。這段時間應該說是張學友歌唱功力最為全面的一段。為了配合演唱會以音樂表演為主的主題，這個版本的節奏較慢，後面的「LA LA LA」部份不但有真假音轉換，爆發性的飆高八度音的即興元素也首次出現，成為張學友的經典演出之一。



這個部份在youtube的收音差了，這是「張學友音樂之旅Live演唱會」的版本，在99年演唱會之後至今，張學友在後面的「LA LA LA」部份都加入飆高八度音的爆發性演出。另外，有幾個演唱會的版本是在間奏與前奏中加入Saxphone，這也為這首歌增添了更多韻味。

Anthony Hamilton

就我個人來說，我所喜愛的R & B形式還是比較舊派一點，我喜歡Stevie Wonder、Lurther Vandross要勝過現在的Asher、Ne-Yo。這沒有孰優孰劣的問題，因為我個人就是比較喜愛慢板且編曲簡單的R & B soul。

Anthony Hamilton這個名字台灣大概只有特別熱衷此道的人聽說過。到目前為止，他是我所聽過最為接近這個風格的歌手。本來我對John Legend也很感期待，不過他在新專輯中也追隨著師父Kayne West的腳步開始玩起電子音樂了。當然，這是Legend自己所希望的改變，每個歌手所定義的「改變」也不盡相同。

為什麼提到John Legend呢？除了他也是正邁入巔峰的R & B歌手以外，另外一個原因就是他們兩人的歌聲有些微的相似，兩個人都有一點沙啞帶滄桑感的歌聲，我覺得在先天詮釋soul和R&B的精神上面就多了一些優勢。R & B最早的起源就是黑人把困苦的日常生活用簡單的歌謠形式唱出來，同時達到抒發的效果。他們用的是簡單的樂器，多半是吉他之類的弦樂器，搭配即興的歌聲演唱出來。簡單而不花俏，正是我認為最原始的靈魂樂形式，當然，經過長久的演化之後，soul已經在形式上有了相當多的變化，但是Anthony Hamilton是目前我所聽過的歌手中，詮釋最接近這個形式的。

放上他新專輯的當中的"cool"，不過下面的影片並不是原來的MTV，如果想看MTV的朋友，可以點選這個網址。在裡面rap的和聲者David Banner正是incredible Hulk中綠巨人Bruce Banner的老爸---當然，這不是和聲者的本名。和聲者本名叫做Levell Crump。Rapper常常有很多其他副業，例如50 cent還有自己的服飾品牌，David Banner自然也不例外，rap跟製作人的身份不在話下，他同時還幫X-Box的一款遊戲"Saint Row"製作遊戲音樂。對於Anthony Hamilton來說，這也是一個新的嘗試，把rap的元素應用在自己的soul曲風當中。

見上げてごらん夜の星を

老日劇迷們對於這首歌應該不會陌生，這是木村拓哉在2002年主演的「空から降る一億の星」（從天而降的一億顆星星）當中的插曲：「見上げてごらん夜の星を」，中文叫做「仰望星空」。這齣戲收視率以木村拓哉的水準來說只能說是及格之作，但是戲中的配樂有很多用了溫暖的曲調，除了這首配樂之外，片尾曲也用了Elvis Costello的「Smile」來結尾，跟劇情的走向呈現了很大的反差。印象最深刻的一幕就是劇尾明石家さんま邊聽著這首「見上げてごらん夜の星を」一邊痛哭，真的很有催淚的效果。

不過這首歌的歷史可要比「空から降る一億の星」更悠久了，這首歌是阪本九在1963年的作品。他最著名的作品是這首「上を向いて歩こう」，中文翻作「我邊走邊向上看」：



這首歌不但在日本紅極一時，甚至遠渡重洋到美國，成為日本史上唯一搶下Billboard Hot 100的冠軍單曲，並且被女子團體組合A Taste of Honey翻唱，一樣大受歡迎。即使到了現在，這首「上を向いて歩こう」也一樣是日本甚至台灣民眾朗朗上口的小調。

這首「見上げてごらん夜の星を」後來也有許多日本歌手翻唱。

這是近年最為人所知的，平井堅跨越時空與阪本九的合唱版本：



兩人歌聲一個溫柔渾厚，一個清越高亢，聽起來真的很有感染力。

這是夏川りみ的版本：



富有Jazz味的重新編曲從夏川りみ的琉球式唱腔出口，令人聽了覺得別有風味。這個版本個人覺得相當適合做為聖誕歌曲在佳節的時候播放。

這是桑田佳佑演唱的版本：



這應該是相當早年的演出了，桑田佳佑的造形令人感到發噱。不過在他的演唱之下，這首歌被賦予了另外一種不同的藍調風格，中間由吉他等樂器合奏的間奏也反映了這一點。

最後，當然不能錯過阪本九的原唱：



回想劇中明石家さんま邊聽著這首「見上げてごらん夜の星を」一邊痛哭，配上涵義深刻的歌詞和溫暖的曲調，真的令人忍不住會掉淚。現在，向英年早逝的阪本九致敬之餘，我把這首歌獻給現在心裡仍然感到痛苦的朋友，希望你能趕快握住自己的幸福，即使是像星光閃爍那樣的微小也好......

Last friend

我先承認，這部片吸引我的地方是來自於「交想情人夢」的三人組（或者說是雙人組上野樹里和水川麻美），五個年輕新生代演員的演技也很吸引我入戲，不過一集一集看完之後，發現這齣戲可以聊的東西著實不少。

整部戲當中想要探討的性別議題非常多，家庭暴力、性別認同障礙、性恐懼...等，這篇文章裡面也對於劇中跨性別議題的探討和細緻表現有極大的讚賞。這是我覺得目前其他包括台灣在內在連續劇節目製作上還及不上的地方（台灣除去公視不算的話）：嘗試對身心障礙以及社會議題等寫實題材進行探討，目前日劇當中已經有相當多類似的主題，包括自閉症、小腦萎縮症。戲中的描述未必和真實情況完全相符合，但是這個眼光在連續劇當中是很有前導性的。

不過除了上述優點以及演員個人的演技之外，大概就沒什麼值得一提的了。在全劇的開頭主題曲裡有對五位主角加註character：


但是只有長澤雅美跟上野樹里在劇中把這個作為人物特徵的特性展現出來，其他的幾個角色都受限於劇情而沒辦法把相性最大化，我覺得很可惜。整個劇情架構在第一集就陸續切入主題，可是中間段的進展步調跟第一集的快速相比又有著極大落差，更別提最終回跟SP整個都被搞爛，我到現在還沒辦法接受最終回是以無釐頭的大逆轉來作收，這個責任必須要歸咎到編劇身上。

聽完日劇主題曲，我特地去找了宇多田的新專輯來聽，聽了幾次之後實在覺得這跟當年她同樣為日劇"Hero"所寫的主題曲"Can you keep a secret"在演唱架構上有很大相像：一開始用簡單的節奏搭配副歌拉出主歌部分，在verse跟verse之間也用合音改寫的一段副歌改編進入歌曲。歌詞的敘述跟劇情也讓人有一定程度的聯想性，據說是她特地為這齣戲寫的，這點的真假還有待商榷，但從歌名、曲風跟歌詞上都跟日劇非常契合，令人不得不佩服她創作的才華。

基本上我非常贊成這篇文章的說法，現在如果還繼續叫她R & B天后的話是太過牽強了，話說我個人從以前也聽不太出來她的歌到底R & B在哪就是。專輯裡面大概只有kiss & cry這首歌的編曲算是比較funk接近靈魂樂的，另外一首她親自譜寫的童歌「我是熊」則讓人感覺到她童心未泯的可愛面，下一首歌「虹色巴士」接得也很巧妙，沒看播放清單會以為是接著上一首「我是熊」的變奏，非常有趣。除此之外，整張專輯還是比較偏向J-Pop一些，很多首歌用了不少電子元素，中板的節奏讓整個編曲流暢而不失於刺耳，這些歌可以讓一個一向不太聽電子樂的人一聽再聽，我覺得整個創作上已經是相當成功了。

最後附上主題曲MTV，順便一提，第一：宇多田變胖了，第二：她在MTV裡的造型跟劇中瑠可還真有幾分相似，不知道是否也是順應連續劇的風潮？

Same part of song as David Tao and Commodores？！

首先先謝過這位haemogoblin網友，這個回應我之前就想談了。這證明了我聽歌還是聽得不夠多。除了這個以外，回頭來看之前說張學友「和好不如初」有reggae風格，現在覺得也真是會令人貽笑大方的發言。

先看一下這兩首歌曲：





前面是Commodores 1977年的"easy"，後面則是陶吉吉的專輯MV。顯然，當時給陶吉吉的「美國R&B的原汁原味」這個評價是應該要修正一番，之前在Boyz II Men的A Journey Through Hitsville USA 專輯當中已經聽出來了，這張專輯也翻唱了The Commodores的"Easy"，當時第一個感覺就是「這開頭跟"陶吉吉飛機場的10:30"根本一樣」，上網找了一下，幾乎沒有提到這首歌跟Commodores原曲的相關性，反而是韓國人曹奎燦的翻唱在網上掀起一波討論。

plagiarize跟sample說真的有時很難在定義上作區別，恰巧，陶吉吉在華語歌壇是很喜歡使用sample的歌手，「月亮代表我的心」、「望春風」、「忘不了」都是很經典的代表作。「望春風」跟「飛機場的10:30」更剛好收錄在同一張專輯，誰能相信作出「望春風」的陶吉吉，用這種相較之下近乎低劣的手法把Commodores的歌曲sample到自己另外一首歌？

順便引用一下wiki的定義，sample也是必須要透過法律上規定的版權程序的：

Sampling has been an area of contention from a legal perspective. Early sampling artists simply used portions of other artists' recordings, without permission; once rap and other music incorporating samples began to make significant money, the original artists began to take legal action, claiming copyright infringement. Some sampling artists fought back, claiming their samples were fair use (a legal doctrine in the USA that is not universal). International sampling is governed by agreements such as the Berne Convention for the Protection of Literary and Artistic Works and the WIPO Copyright and Performances and Phonograms Treaties Implementation Act.

姑且把這個狀況當成sample，從陶吉吉當時發這張專輯對於此事幾乎完全沒有提及的狀況下，這個程序也是很有問題的，不過台灣對於這種版權問題一向都是草率帶過，只是在陶吉吉的才華之下，這個問題更令人失望。

這個case讓我想到之前高中生得獎小說抄襲九把刀的爭議，楊牧有句話說得相當好：「文學作品不應該有雷同的情況，所謂的巧合也是作者本身閱讀廣度不足的缺失。」所有藝術創作者，尤其是已經成名的創作者，都應該抱持這樣的積極心態。

Sonething about some old songs & Eason Chen

先來聊聊陳奕迅好了，很多人認為他是香港最有資格接下張學友「歌神」稱號的歌手，以他資歷來說已經算是中生代了，不過他的歌聲的確有跟張學友相提並論的實力。

張學友的聲音蠻常用到鼻腔的共鳴，所以給人聽起來比較細膩，即使在嘶吼的時候，也可以聽得出來那種聲音尖細的感覺；陳奕迅的歌聲就比較低沈有磁性一些，一些唱得比較用力的部分甚至可以感受到那份有些沙啞的感覺，這部分在ballad表現的比較明顯，例如說「K歌之王」、「十年」、「兄妹」、「想哭」、「認了吧」這幾首的高音就沒有高得太凶猛，誠然他也不是每首情歌都是這樣，不過幾首代表性的ballad都蠻容易聽出這樣的痕跡。

當然，陳奕迅厲害的地方如果只是在低音部分的演繹的話，他的歌唱實力不會給人歌神等級的評價，他在假音跟轉音的爆發力比起張學友可以說尤有過之。可是這部分的應用反而在ballad比較少看到，「你的背包」是少數的幾個例子，反而是在一些所謂「非市場主流」的歌，像是「愛是懷疑」、「我也不會那樣做」、「快樂男生」讓人還蠻有feel的。

想找陳奕迅表現功力的慢歌，建議可以找一下他在華星時代的專輯，現在的精選好像都沒什麼收那個時代的歌，蠻可惜的。我強力推薦「醞釀」這張專輯，裡面「醞釀」、「我終於放開了她」、「好聚好散」都是不錯的慢歌。尤其是「我終於放開了她」這一首，整首歌幾乎是假音從頭假到尾，真的要好好品味一下。「好聚好散」也是一首蠻特別的張宇風情歌，作曲者陳國華，沒記錯的話是彭佳慧的老公，張宇早期的哭腔情歌好像也不少是他作的。

「醞釀」這張專輯是97年的作品，剛好也處於90年代中這個華語唱片銷售顛峰的時期，也可以讓人懷念一下90年代一些頂尖創作人的心思。「醞釀」的作曲者凌偉文，當時一手打造鄭中基的作曲家，「相思無用」、「被愛是幸福」，還有KTV男女對唱國歌「你最珍貴」，都是他的手筆；「我終於放開了她」，作曲者黃中原，寫過鄭中基的「絕口不提愛你」，作詞者吳旭文更是當時的情歌大師，張學友的「心碎了無痕」、「人在雨中」，蘇永康「如果這是我愛你最好的距離」都出自他的創作。想要回味一下90年代情歌的感覺，「醞釀」這張專輯會是個好選擇。

最後附上陳奕迅在某個音樂會上跟張學友對飆「頭髮亂了」，這絕對是經典：

R&B Jesus－D’Angelo

對我來說，談聽歌的心得是要比看球來得困難的一件事。雖然第一張專輯Brian McKnight的”back at one”專輯是高中的時候買的，大量吸收所謂的”blues”是最近一兩年才開始的事情。聽歌跟看球在input跟output的處理上是截然不同的兩碼事，單用傳統的形容詞彙來介紹一張專輯，給人的印象就不會太強烈，不免「霧裡看花」。讓看這個blog的讀者們清楚的瞭解到「這張專輯唱了些什麼東西」，是我還要努力的目標。

以後我會試著在這裡放些籃球之外的東西，例如遊記、或是時事的看法，和籃球邦那邊做個區別。籃球的東西在這裡還是看得到，畢竟只是順手之勞而已。有些東西像音樂，必須要有感性的基礎，會有更深刻的體會，這些看法我也希望能盡量用理性、以及邏輯性的方式來闡述它們。

OK，廢話結束了。Let’s talk about D’Angelo

Wiki上給他的評價是：「Neo Soul的先驅」。我對於靈魂樂發展的瞭解不太深入，靈魂樂到底什麼時候開始發展出Neo這樣混合的類型我不清楚。跟目前許多歌手混合了hip-hop以及rap形式的藍調音樂相較，D’Angelo的確是另闢蹊徑。他的特色我覺得主要有三點，這讓他的專輯聽起來非常的smooth。

1.他用了很多的Jazz元素
2.大量的假音讓他的歌聲聽起來與和聲非常協調
3.使用的節奏非常簡單

融合了hip-hop以及rap形式的藍調音樂，有時候背景的東西用得太多，例如和聲、mix用得很多，誠然這可以看出這張專輯在produce上面的功力，不過在歌聲上面的表現反而被蓋過了，也許對於其他人而言是一種特色，但這不是我喜歡的藍調音樂類型。

在剛開始聽藍調音樂的時候，沒有太多來源，所能得到的資訊都是以市場上比較pop的專輯為主，這裡的pop不是指音樂的類型。後來開始上R & B相關的資訊討論區，從網友那裡得知了有D’Angelo的專輯，評價是那種「必備盤」的等級，於是去買了他的專輯來聽。第一張是他在2000年的”Voodoo”，後來才倒回去聽”Brown Sugar”，我覺得先後順序沒有什麼太大的差別，兩張都是越聽越入味的耐聽專輯。可惜D’Angelo 2005年出了不少事，讓他到現在新專輯還無法問世，只希望他能夠迅速的投入他的音樂專輯，讓我們能聽到新的Neo Soul創作。

附上一首Live版的"Send it on"：

Boyz II Men－A Journey Through Hitsville USA

所謂Motown Hitsville USA是指Motown Records1959年到1972年在Detroit創立起家到1972年搬到LA的這段時期。這段時期跨越了整個60年代，許多今日的靈魂樂巨匠，包括 Stevie Wonder、Marvin Gaye、Diana Ross、 The Miracles樂團和它後來自行發片的主唱Smokey Robinson等人都是Motown當時培養出的超級巨星。

所以從專輯名稱就不難得知，這是同在Motown的Boyz II Men要向當時的前輩致敬的一張專輯。專輯當中有幾首歌嚴格說來並不符合Motown Hitsville USA的那段年代。但是這無損Boyz II Men為了紀念那個輝煌年代而製作這張唱片的動機。

在藍調音樂進入了hybrid階段的這個年代，優美人聲搭配的組合已經快要變成了一門失傳的藝術，我對現今Nu-soul的發展覺得驚喜，同時也懷念過往靈魂樂的單純美好，這個傳承的過程，在聽Boyz II Men天籟般的和聲時，一再地被印證。



專輯曲目及原唱者：

Just My Imagination---The Temptations
It's Same Old Song/Reach Out I'll Be There---Diana Ross
Mercy Mercy Me (the_ecology)---Marvin Gaye
Tracks Of My Tears---Smokey Robinson
Money (Thats What I Want)---The Miracles
Easy---The Commodores
I Was Made To Love Her---Stevie Wonder
All This Love---DeBarge
Ribbon InThe Sky---Stevie Wonder
Aint Nothing Like The Real Thing---Marvin Gaye & Tammi Terrell
There'll Never Be---Switch
Got To Be There---The Jackson 5
War---Edwin Starr
End Of The Road---Boyz II Men

Close to you

這首歌是The Carpenters在1969年收錄於"They Long to Be"專輯中的第二主打歌，在同年拿下了Billboard title 以及三座Grammy Award，是一首膾炙人口的經典名曲，後來也有許多後起之秀紛紛翻唱。

這次要看的是Gerald Levert 和 Tamia的合唱版本，他們的合唱版本收錄在Gerald Levert 03年所發行的專輯"Stroke Of Genius"。

Gerald Levert 給我的感覺跟Luther Vandross很像，前者的歌聲多了一些滄桑，不如後者來得溫潤。他的對唱精選"Voices"收錄了許多他與all star級歌手的對唱，包括之前的自組團LSG、Levert以及Missy Elliott、Kelly Price等。不過這首歌沒有收錄，算是一顆很大的遺珠。

四度被提名Grammy Award以及代表加拿大最佳音樂成就Juno Award的Tamia，跟籃球界的淵源大概比較少人知道，她現在的全名叫做Tamia Hill ，他的丈夫就是Grant Hill。更有趣的是，撮合他倆的人是靈魂歌后Anita Baker。Grant Hill是有NBA中少數精通多樣樂器的球員，他會彈鋼琴，也會吹saxophone，有這樣的組合並不令人意外。

11/10就是Gerald Levert 的週年忌，說起他的死，只能說又是一個英才早逝。06年11/10，Gerald Levert 被發現疑似心肌梗塞死於Ohio Newbury的家中，死亡原因是藥物過度使用。不過Gerald Levert 的藥物使用並不是吸毒，而是止痛性的鎮定劑，後來的驗屍結果也發現他有肺炎，這個猝逝完全是個意外。

附上The Carpenters以及Gerald Levert 兩個版本的"close to you"，以及他歷年的所有作品。R.I.P，Mr.G-Bear 。

The Carpenters－Close to you




Gerald Levert & Tamia－Close to you

Kayne West－Graduation

現在發現，要認真的去聽一張CD，其實是很不容易的事情。在西洋音樂把翻唱、取樣當作家常便飯的年代，一張R & B或hip-hop專輯在聆聽之前，還必須要瞭解他所翻唱取樣的對象，以及其原本的曲風，誠可謂「大哉聽」是也。聽Kayne West的專輯，更必須要具備如此的功力。

在前面的校園系列兩部曲"The College Dropout"和"Late Registration"中Kayne West大量的取樣了靈魂樂藍調老歌，為hip-hop以及rap展現了新的風貌。9/11發行的新專輯"graduation"更取樣了目前歐美當紅的Nu-rave團體Daft-punk的單曲"stronger"作為自己的新歌，新歌的MV甚至與Daft-punk一同拍攝：



所以，為什麼我說要認真聽Kayne West的專輯是一件不容易的事了。先來稍微認識一下Nu-rave和Daft-punk。什麼是rave？請看wiki的解釋
：http://en.wikipedia.org/wiki/Rave，Nu-rave就是在rave之中添加其他類型的音樂元素，例如：rock、punk、pop等，佐以誇張炫目的穿著，所產生的一種變化類型。所謂Nu-rave風的穿著可以看看這裡：http://www.ellegirl.com.tw/viewContent.php?maindocid=1&subdocid=3&docid=401&page=10
另外，這裡則是wiki對於Daft-punk的介紹：http://en.wikipedia.org/wiki/Daft_punk，我沒有聽過他們的創作，不過看他們的造型，的確是非常前衛。

除了首次取樣Nu-rave音樂風格的挑戰之外，"graduation"的歌曲來源當然也不會忘記慣用的R & B取樣：T-pain、Lil Wayne等人的歌曲，都在這張專輯中重現。有趣的是，這張專輯在8/18由billboard從47th上升到6th時，打掉的正是T-pain的新歌"Bartender"。

這張專輯所帶來的另外一個話題則在於Kayne West與50 cent的對決，兩人在同一天發行新專輯將要比較銷量，50 cent更放話，若被打敗，就結束自己的演藝事業。Kayne West與50 cent兩個人的出身可以說南轅北轍，同樣走hip-hop風，給人的感覺是大相逕庭。不過50 cent放這番話未免狡兔三窟，他最近才被選為「經營副業最成功的藝人」即使結束演藝事業，大概也毋須太擔心未來的生活了。

miscellanea

這句話不知道是從哪個人口中說出來的，不過聽了覺得真的是有點道理：「國語歌還是聽廣東歌比較有感覺」。現在聽張學友早期的歌曲，發覺其實他在早期的粵語歌當中，有不少令人玩味的東西，例如「偷閒加油站」這首歌，就唱得很有Jazz的慵懶感覺。這首歌收錄在他1992年的「真情流露」粵語專輯當中，不過我現在聽的是2000年經過重新編曲的"Jacky Cheung 15"版本，當年原唱版本和現在的這個曲風到底有何差異，目前還無法分別。再看了一下作曲者，Freddie Perren，那我想雖不中應該亦不遠矣。

Freddie Perren何許人也？他是美國著名的作詞者和製作人，1970、80年代的許多暢銷單曲都出自他的手筆，例如Jackson 5早期的"I Want You Back"、"ABC"，Gloria Gaynor的暢銷金曲"I Will Survive"，以下連結是維基百科的介紹：http://en.wikipedia.org/wiki/Freddie_Perren
另外這裡有他的照片以及一些介紹：http://www.allmusic.com/cg/amg.dll?p=amg&sql=11:w9ftxqwgldse。那時候不論是合作，或者是翻唱，大約都還是以日本為主。「偷閒加油站」這首歌不管是張學友的翻唱，或是中外兩位天王的合作，在當時而言，都可以算是國語歌曲的一個先驅。

另外，「和好不如初」這首歌也蠻耐人尋味，作曲人陳奐仁，也寫過不少hip-hop味很重的歌，像陳奕迅的「愛是懷疑」、陳冠希的新專輯「讓我再次介紹我自己」都是他的產出。這首歌從一開始就用大鼓來展現強烈的節奏，類似reggae的方式在當時國語歌的編曲中並不多見。

現在很多國語歌手一再強調他們在歌曲或專輯中加入了R&B的元素，但能表現出這份節奏感以及和聲的歌手還是寥寥可數，國語樂壇在hip-hop的表現上要優於R&B以及soul，陶喆在第一張專輯的表現令人驚豔，不過後來的專輯走向是越來越偏向rock；王力宏的慢歌很多都採用了大量的管弦樂，這也許跟他學院派的出身有關，現在國語歌手能展現出這份感覺的大概只有方大同，他的R&B靈魂味多重？這當然是聽了專輯後才能明白，要具體說明的話，那就想像一下陶喆那首「飛機場的10:30」，方大同比它更接近美國R&B soul的原汁原味。

Boyz II Men Taipei concert

這個團體說來跟Sixers可以扯得上一點關係：他們都是來自Philly的團隊。很巧的他們剛好在我休假的時候來台北開演唱會，身為一個soul的樂迷，當然要去一睹風采。現場歌迷大約坐了八九成滿，我剛好是坐在貴賓席後面的第一排，仔細看了一下，台灣一些自稱唱RnB的歌手居然都沒有來朝聖，反倒是給人「假嘻哈」印象的黑人，以及歌路與RnB扯不太上關係的范范，都到場欣賞演出，令我感到挺訝異的。

Boyz II Men被譽為「20世紀最偉大的美聲團體」，今天透過演唱會的表現，完全可以展現出來，他們的轉音和假音，真的是會讓人起雞皮疙瘩。出道將近20年，千錘百鍊的功力和默契，讓我們這些樂迷如癡如醉。唱到興起，甚至還走下演唱舞台和樂迷同樂，這樣的演唱風格也是RnB & Soul即興精神的一環，整個國父紀念館在當晚給人置身於New York club的感覺。即使過了將近20年，我也覺得很難有任何一個團體在A Cappella或重唱的功力可以與他們比肩。不過這一次在國父紀念館，不用樂隊伴奏，放伴唱帶的缺點就是效果不佳，有時候甚至蓋過了他們的演唱。這是台灣的悲哀，不管辦什麼活動都找不出一個像樣的場地，唯一夠格的兩廳院，很抱歉－他們不接受流行類音樂會演出的申請。

張學友新專輯

我記得我是從「吻別」這張專輯開始聽張學友的歌，之後就一直買了他的專輯聽到現在。大致來說，「走過1999」這張專輯算是他歌唱生涯的一個分水嶺。一方面這是他在環球唱片所出的最後一張專輯，而在這張專輯之後，他在上華唱片－雖然還是環球旗下的公司所嘗試的曲風也有了比較大的轉變，01年的「學友熱」，02年的「他在哪裡」看出了他也試著朝Rock、hip-hop等曲風來嘗試，而以往我們所熟知的情歌就少了很多，對於樂迷來說可能不習慣，卻是一個喜訊。

這張相隔五年出的新專輯還是有同樣的走向，張學友為了「自己想唱」而唱，而不是為了「賣唱片」而唱。以他身為歌神的功力，他不再需要狂唱情歌來證明自己，如果不期待他會有太多情歌演出的話，這張專輯會是一個驚喜。頭兩首歌，歌神和「詞神」林夕的合作，真的令人眼睛一亮，或者該用「耳目一新」的形容詞更為適當一些 。市場上充斥著所謂「全能」的藝人，演唱創作甚至戲劇樣樣來，看起來卻是「全部不能」，用精湛的技術來演繹單一個項目，或許是我們可去體會的另外一條道路。

John Legend－Once Again

上屆葛萊美獎最佳新人的John Legend最近發行了第二張最新專輯"Once Again"，聽到目前為止，覺得這一張專輯的曲風跟上一張差距不小，這一張加進了John Legend本身更多的靈魂曲風，雖然仍然找到了師父Kanye Wset一起合作，但是 Kanye West的Hip Hop在這張專輯裡面淡薄了許多，整張專輯呈現的是一種清淡的小步舞曲曲風，幾首歌曲中鋼琴以及節奏的輕觸頓點給人有毛毛雨的清新之感。福音式的和聲在專輯中仍然隨處可見，給人確實的感受到「這的確是他想要做的歌曲」。

這張專輯中激昂人心，讓人一次上口的歌覺得要比上一張少，但應該會更加耐聽。另外一個妙的地方是專輯中收錄的bonus track，歌名就叫"bonus track"。繼續試聽。

這是新專輯中的"save room"：

Kanye West－Late Orchestration

我很喜歡聽歌手的現場演唱（或是演唱會專輯），這是一個可以仔細聆聽歌手真正演唱實力的好機會。而如果你喜歡西洋的靈魂樂的話，Kanye West今年所發行的Abbey Road演唱會現場專輯，是你不能錯過的選擇。

Abbey Road是一間錄音室，由於披頭四的關係而聞名於世，大約只能容納三、四百人左右。這場演唱會中，Kanye West更請來一個小型的管弦樂團作為伴奏，專輯名稱《Late Orchestration》正得自於此。

我個人覺得Kanye West這位來自芝加哥的年輕天才，充分的把饒舌音樂，和舊有我們稱之為R&B的音樂形式融合在一起。他前面的幾張專輯在Sample、混音、和聲上面的技巧，一次又一次地驚豔了聽眾，這是他和其他Rap的最大不同之處。不過這些華麗形式的展現有時候就讓人無法專注於他的Rap功力之上。在這張現場專輯當中，透過管弦樂隊氣勢磅礡的襯托，聽眾可以徹底地聽到他從Rap中表露出的情緒，甚或可說情感。



演唱會中演唱的都是他第一跟第二張專輯中的歌曲。最後，我想說的是， 能夠用管弦樂隊來做Rap，這是繼Emineim之後，第二次能夠如此震撼到我的Rap，Unbelivable。